Les deux personnes sur chaque photo, selon Ansel Adams

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L'une de mes citations photographiques préférées est l'observation d'Ansel Adams : « Il y a toujours deux personnes dans chaque image : le photographe et le spectateur. Je trouve cela très poignant. Voici la citation plus longue pour montrer un peu de contexte :

Je ne m'excuserais jamais de photographier des rochers. Les rochers peuvent être très beaux. Mais, oui, les gens ont demandé pourquoi je ne mets pas les gens dans mes photos de la scène naturelle. Je réponds, il y a toujours deux personnes dans chaque image : le photographe et le spectateur. Cela ne dépasse généralement pas du tout.

Ansel Adams l'a dit dans l'une de ses dernières interviews, environ un an avant sa mort, en Playboy magazine de tous les lieux. (Les gens l'ont vraiment lu pour les articles!) C'est une petite partie d'une longue interview, mais elle capture le but de la photographie d'une manière très poignante.

Lorsque j'écris sur la photographie créative sur Photography Life, j'essaie toujours de souligner l'importance de l'émotion. Pour moi, c'est ce qui fait une bonne photo : l'émotion que vous mettez dans l'image. Ceci, à son tour, aide la photo à résonner émotionnellement avec les téléspectateurs.

Mais Ansel Adams va plus loin dans sa citation. Les émotions ne sont pas la seule chose que vous mettez dans la photo ; tu mets dedans tout votre moi. Personne d'autre n'aurait pris la photo exactement comme vous. Ensuite, si vous montrez la photo à d'autres personnes, elles en feront l'expérience d'une manière unique à tout leur moi. C'est essentiellement une conversation.

Sur Photography Life, on parle souvent du côté « photographe » des choses. Après tout, il existe de nombreuses façons concrètes de prendre des photos qui transmettent plus efficacement votre message en tant que photographe, du technique au créatif. J'en ai déjà parlé dans mes articles sur l'unification des émotions et les trois éléments d'une bonne photo.

Il est moins courant que nous parlions de « le spectateur ». C'est peut-être parce qu'il est difficile de savoir qui est votre spectateur, et encore moins comment il interprétera votre travail, à moins que vous ne tourniez pour un client spécifique. Peut-être que tout ce que vous pouvez (et devriez faire) est de prendre une photo qui résonne avec vous. Cela pourrait alors résonner avec les autres, et ce pourrait ne pas être le cas.

Mais comme le suggère Ansel Adams, le spectateur est une partie tout aussi importante de la conversation qui se déroule en photographie. Si vous voulez que votre photo soit réussie – même si vous définissez le « succès » simplement comme une photo dont vous êtes satisfait – vous ne pouvez pas ignorer le spectateur.

L'une des parties les plus importantes de l'expérience d'un spectateur est la façon dont la photo est affichée. Est-ce imprimé, Web, mobile ou autre chose ? Quel est l'environnement de la photo (comme les photos à proximité dans la même galerie) ? Et si vous avez choisi une impression plutôt qu'un affichage numérique, quel substrat d'impression et quelles conditions d'éclairage utilisez-vous dans votre affichage ?

J'ai des reproches à propos de Peter Lik, mais je vais le faire venir ici parce que l'une de mes expériences les plus mémorables en regardant une estampe a eu lieu dans sa galerie à Las Vegas. Lorsque je suis entré dans une des pièces latérales de la galerie, les lumières se sont soudainement éteintes. Alors qu'ils s'estompaient lentement, montrant une grande impression acrylique devant moi de Las Vegas la nuit, un vendeur derrière moi a dit quelque chose comme : « On dirait que la ville brille ? »

C'était une masterclass en marketing. Sans cette astuce, j'aurais probablement passé quelques instants dans la pièce à regarder autour de moi avec désinvolture, et maintenant je ne pouvais qu'être d'accord avec le vendeur : l'impression avait l'air de briller.

Je ne doute pas que chaque unité d'éclairage de la galerie de Peter Lik coûte plus cher que les prix (plutôt élevés) des tirages eux-mêmes. En effet, contrairement à de nombreux photographes, Peter Lik comprend profondément l'importance de l'expérience du spectateur. Non, il ne peut pas contrôler le « monde intérieur » des spectateurs qui voient ses photos, ou exactement ce qu'ils apportent à la conversation. Mais il fait tout ce qui est en son pouvoir – du côté photographe, encore une fois – pour satisfaire son public.

Dans le cas de Peter Lik, ce sont des touristes qui veulent un souvenir de luxe de leur voyage à Las Vegas. Mais ça pourrait être n'importe quoi. Votre public peut être un ami qui veut un tirage, des juges dans un concours photo, des clients que vous souhaitez satisfaire, etc.

Votre public pourrait même être vous-même. Dans ce cas, vous devez toujours penser à votre propre expérience de visionnage. Il y a une différence entre la visualisation de vos photos sur un moniteur bon marché et une impression bien faite. Que vous montriez vos photos à d'autres personnes ou non, "le spectateur" compte toujours beaucoup.

La citation d'Ansel Adams résume l'une des réalités de la photographie : Chaque photographe apporte quelque chose sur lui-même dans une photo ; chaque spectateur fait de même. Quel que soit le but de votre photographie, il serait sage de garder à l'esprit les deux côtés de ce miroir.

Cela commence sur le terrain, où vous pouvez transmettre davantage de vous-même - votre style personnel et votre message - en prenant des décisions intelligentes et créatives. Il se poursuit en post-traitement, avec de nombreux outils à votre disposition pour accentuer le message de la photo. Et puis il s'agit de votre choix d'affichage, où j'espère qu'il est évident à quel point il est important de prendre en compte l'expérience du spectateur.

Vous ne pouvez pas savoir ou contrôler comment quelqu'un interprétera vos photos. Un spectateur peut détester votre photo parce qu'elle lui rappelle un mauvais souvenir, ou l'aimer parce que sa couleur préférée est le vert. Ils peuvent acheter une impression parce qu'ils adorent les images de grenouilles, ou ne veulent plus jamais revoir votre travail parce qu'ils sont ranidaphobes (ils ont dû chercher celui-là).

Ce que vous pouvez contrôler, cependant, c'est la clarté de la conversation de votre côté. Si le message émotionnel de votre photo est clair, peut-être que tout le monde ne l'acceptera pas, mais ceux qui le feront résonneront pleinement. En tant que photographes, c'est tout ce que nous pouvons espérer.

Pour moi, il est plus facile d'atteindre cet objectif si vous prenez une page du livre - ou du magazine, dans ce cas - d'Ansel Adams et pensez toujours aux deux personnes sur chaque image.